El esquema de color en el cine

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¿Cómo usan la paleta de color los directores de arte para producir esos formidables efectos con los que nos hacen creer en la magia del cine? Aprende a reconocer con esta guía cinco de sus ejemplos más notables.

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el color en el cine es un elemento importantísimo. Marca el tono psicológico, describe ambientes y personajes e incluso es capaz de provocar en nosotros ecos que conectan lo que cada tono simboliza para nosotros con lo que ahora estamos viendo en pantalla. El color es, en esencia, otra herramienta más que trabaja para lograr que la historia transmita una información u otra, y de la manipulación cromática depende en buena medida el poder y la belleza de las imágenes que logren los cineastas.

Vale, esto ya lo sabemos, pero: ¿cómo se hace cuando hay más de un color a la vez? ¿Cómo utilizan los profesionales la paleta de colores para crear determinados efectos? ¿Cómo se logra crear una armonía visual de la que se desprendan unas emociones y no otras? Si el otro día hablábamos de los tonos de color que usaban los coloristas, hoy nos sumergimos en cinco formas que tienen los directores de arte de alcanzar el efecto deseado.

Lo más importante: para trabajar esto los encargados de colorear la pantalla no pierden de vista la rueda de color, una herramienta básica para cualquier persona que trabaje en diseño y algo que, probablemente, le resulte familiar a muchos lectores.

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La rueda de color o círculo cromático es una herramienta estandarizada que en su versión simplificada tiene 12 colores basados en el RYB (Red, Yellow, Blue, también conocido como modelo tradicional de coloración) y que ha sido ampliamente estudiada para controlar el efecto que se crea a la hora de juntar diversos tonos, para saber cómo estos van a interactuar entre sí. Hay ciertas combinaciones de colores que se han demostrado con el tiempo, sobre todo gracias al trabajo de los artistas plásticos, que son altamente exitosas y que logran fácilmente inducir placer en el espectador de la obra.

Una reciente entrevista a Dave Markun desembrolla algunos trucos que usan los coloristas para provocar emociones en los espectadores del séptimo arte.

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Hay muchos elementos de una película que suelen quedar eclipsados por el papel de sus actores y directores. Muy importantes pueden ser en el triunfo de un producto audiovisual el maquillaje, los efectos especiales o los sonidistas. Pero hoy venimos a hablar (o mejor dicho, a dejar que hablen) sobre el papel de los coloristas. También referidos como etalonadores o correctores del color, los coloristas son aquellos que se encargan de manipular los tonos que resultan en las imágenes finales de la producción de una película. Un trabajo que consiste mucho más en crear atmósferas que en crear entornos bonitos, un arte que, desde la creciente evolución del medio digital, ha ido ganando cada vez más importancia, tanto en el cine de alto presupuesto como en las producciones más modestas e incluso la televisión, y cuya complejidad técnica (así como sus posibilidades) ha crecido a pasos agigantados desde hace aproximadamente diez años. Resumiendo: uno de esos detalles sutiles de los que a veces ni nos damos cuenta, pero que pueden ser la pieza clave que convierta un buen título en una obra verdaderamente sobresaliente.

Pero, ¿cómo ejecutan su magia estos maestros del color? ¿Cómo consiguen películas como las dirigidas por Wes Anderson, con esos tonos pastel, introducirnos en una experiencia de suavidad vintage? ¿Cuáles son los trucos usados en las últimas producciones de David Fincher para transmitirnos esa pureza aristocrática?

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Como ha comentado recientemente en una entrevista a Fast Co Design Dave Markun, la principal tarea de la que se encargan los coloristas de medio mundo es de hacer que las imágenes que hay en el metraje de una película alcance los tonos que vemos los humanos en nuestro día a día. “Si alguien está editando una escena de, pongamos, una mujer caminando de día por la calle, el brillo y tonos deben ser coincidir en cada plano de esa escena, porque eso es lo que anticipan, lo que esperan nuestros cerebros”. Pero este es sólo el nivel más básico de su trabajo, pues luego los etalonadores cuentan con una especie de “reglas no escritas sobre las emociones” que han ido asumiendo con el tiempo los de su gremio y según las cuales son capaces de manipular los sentimientos que nos transmiten las escenas. Markun, colorista de televisión con casi cuatro décadas de experiencia (tal vez le conozcas por producciones como ‘Nova’ o ‘Nature’, series documentales de National Geographic), comentó que el amarillo era un color amistoso, mientras que el azul “se tiene a ver como más negativo y distante”, razón por la que en ciertas grabaciones de televisión vemos cómo se representa con tonos amarillentos a los candidatos favorables a la tendencia ideológica del medio en el que nos encontramos y las imágenes de los contrarios pueden ser presentadas con sutiles modificaciones que tiran a un tono más azulado, para hacer ver al otro como una persona más fría. El mismo efecto, podríamos añadir, busca el tratamiento de un buen número de producciones de David Fincher, siendo las más destacadas ‘Millennium: los Hombres que no Amaban a las Mujeres’ y ‘House of Cards’.

Y la misma aproximación funciona también para el tono rojo y sus hermanos en la paleta, el magenta y el púrpura. Según Markun estos son “los unicornios del cine. Se tiene a aplicarlos de manera excepcional y se evita usarlos de manera sistemática por lo atípico y llamativos que son”, pues son colores que sirven de pista para expresar emociones como la ira, la pasión o el amor. “El rojo obliga a la audiencia a prestar atención”, dijo el colorista.

 

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Para causar un malestar o un sentimiento de aversión y turbiedad, el tono adecuado es el verde fluorescente (ahí está ‘The Matrix’, pero también ‘El Club de la Lucha’ o ‘La Ciudad de los Niños Perdidos’), que anula el sentimiento de normalidad, e incluso belleza, en las imágenes en las que aparece, revistiéndolas de un sentimiento de infelicidad e insalubridad. “Si quiero crear una escena sombría, lo primero que hago es desaturar el verde” dice Markun. “Coges las connotaciones felices y las expulsas fuera de escena, y así le haces notar al espectador que el mundo que tiene ante sus ojos está seco y enfermo”

Por supuesto, hay otro truco de su profesión muy antiguo y reconocible: desaturar el color de una escena para introducir la connotación de que lo que se está viendo no corresponde con el tiempo presente, con lo que normalmente pensamos que se tratan de escenas soñadas o un flashback. “Le sirve al espectador para distinguir lo que es real”, dijo Markun. Unos de los primeros cineastas en aplicar sistemáticamente una corrección digital del color para establecer una atmósfera vintage fueron los hermanos Coen en  ‘Tiene Derecho a Permanecer Muerto’.

 

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Pero si los etalonistas necesitan ir más allá, y deben crear un universo nuevo y diferente al nuestro, lo que mejor funciona, según Markun, es manipulando más los tonos negros, grises y blancos. “Si te fijas en ‘Transformers’, te darás cuenta de que la escala gris empuja los colores de la película en dos direcciones: el turquesa y el naranja. Lo que debiera ser negro como la noche se convierte en la película en algo azulado o verdoso, y los tonos de piel ganan un cariz anaranjado. Cuando necesitamos hacer que algo parezca extraterrestre o irreal convertimos el negro en menos negro y el blanco en menos blanco”.

¿Y por qué estos colores representan estas ideas? ¿Por qué somos capaces de percibir esas emociones descritas en función del registro de tonos que los coloristas han elegido para nosotros? Pues, si hacemos caso a los científicos esto es en parte por mera cuestión biológica. El color ha sido siempre un portador de información que ejerce sobre las personas que lo observan una respuesta evolutiva: sabemos si alguien está enfermo porque se pone de color amarillo, que se está ahogando o que está enfadado por el tono rojo, que ciertas frutas no están maduras porque están verdes.

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Pero no todo puede achacarse a la biología, pues el ser humano desde tiempos inmemoriales también ha manipulado los pigmentos para representar connotaciones culturales. Como dijo el neurocientífico experto en el color Bevil Conway, lo más probable es que “la relación de conceptos que hacemos con los colores tenga más que ver con las diferentes y aleatorias opciones que los cineastas hayan estado realizando en el pasado”, que por su repetición podríamos nosotros haber establecido como convenciones. “Ni todo está determinado por la cultura ni nuestro ojos se lo deben todo a la genética. En cierta forma es una interacción entre ambos aspectos” opina Conway.

Esto se nos hace más evidente (y probablemente aún más a los etalonistas) cuando nos acercamos a obras que no estén sujetas al prisma occidental. Si viésemos una película china, por ejemplo, para comprenderla mejor tendríamos que tener en cuenta que en su cultura el rojo no tiene las mismas connotaciones que para nosotros. Para ellos este color simboliza la buena suerte, la animación, el progreso y la belleza, lo usan mucho en las fiestas y está cargado de sentimientos positivos. El amarillo es el color de la nobleza y el orgullo (en honor a los campos de trigo del campesinado), mientras que el blanco es el color del luto y la mala suerte.

Muchas son las disparidades en el simbolismo de los colores a lo largo y ancho del mundo, pero como hemos visto la amplitud de opciones y la preocupación por adulterar los sentimientos de los espectadores por parte de los coloristas de todas las culturas es, sin duda, un tema que deberíamos siempre tener en cuenta a la hora de analizar las películas.

 

 

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